Posts Tagged ‘review’


Există destine care par să fi fost scrise pentru cinema. Nu neapărat pentru că ar avea toate ingredientele unei povești spectaculoase, ci pentru că în ele se concentrează contradicțiile unei epoci, confruntarea dintre individ și putere, dintre conștiință și instinctul de conservare. Viața Annei Politkovskaia este un asemenea destin. Jurnalistă rusă, critic necruțător al regimului Putin și una dintre cele mai incomode voci ale presei independente, Politkovskaia a înțeles că adevărul nu este întotdeauna o marfă vandabilă și, mai ales, că rostirea lui poate avea un preț mortal. Filmul Words of War, regizat de James Strong, încearcă să recupereze această biografie a curajului. Numai că între importanța subiectului și reușita cinematografică există, uneori, o distanță pe care bunele intenții nu o pot acoperi.

Citește mai mult: Words of War: Când adevărul devine o crimă

Povestea începe într-un climat politic în care Rusia post-sovietică își caută o nouă identitate, iar Vladimir Putin își construiește metodic autoritatea, folosind conflictul din Cecenia drept teren de consolidare a puterii. În spatele discursului oficial despre securitate și stabilitate se desfășoară o realitate mult mai puțin prezentabilă: bombardamente, abuzuri, tortură, dispariții și o populație civilă prinsă între brutalitatea armatei și teroarea grupărilor înarmate. În acest peisaj, Anna Politkovskaia refuză să accepte versiunea convenabilă a evenimentelor. Merge acolo unde ceilalți preferă să nu privească, vorbește cu victimele, documentează abuzurile și scrie. Scrie împotriva unei mașinării politice care începe să considere jurnalismul independent nu doar incomod, ci periculos.

Maxine Peake îi oferă Annei o interpretare construită pe sobrietate, determinare și o anumită fragilitate interioară, fără să cadă în tentația eroizării ostentative. Personajul nu este prezentat ca o figură infailibilă, coborâtă parcă dintr-un manual de martirologie democratică, ci ca o femeie care își asumă riscuri, care înțelege pericolul și care continuă, uneori aproape încăpățânat, să-și facă meseria. Există în interpretarea actriței o tensiune autentică între responsabilitatea profesională și instinctul de supraviețuire. Este, de altfel, una dintre puținele dimensiuni ale filmului care reușesc să depășească limitele unui scenariu prea preocupat să explice ceea ce spectatorul ar trebui să descopere singur.

Aici se află, de fapt, principala problemă a lui Words of War. Filmul are o poveste extraordinar de puternică, dar nu găsește întotdeauna mijloacele cinematografice pe măsura ei. Dialogurile explicative sunt prea numeroase și, adesea, apar în momente în care imaginea, tăcerea sau reacția unui personaj ar fi putut transmite mult mai mult. Avem parte de informații livrate aproape didactic, ca și cum realizatorii s-ar teme că publicul nu va înțelege gravitatea situațiilor fără să i se explice explicit ce trebuie să simtă și de ce. Or, într-un film despre manipularea adevărului, despre mistificarea realității și despre mecanismele propagandei, această nevoie de a pune totul în cuvinte devine o slăbiciune de construcție.

Nici personajele din jurul Annei nu beneficiază de suficientă autonomie dramatică. Jason Isaacs, în rolul soțului, Sasha, este distribuit într-o poziție ingrată: aceea a omului care încearcă să-și protejeze familia de consecințele unei lupte pe care nu o poate controla. Conflictul dintre preocuparea lui pentru siguranța celor apropiați și determinarea Annei de a continua investigațiile este legitim și necesar. Numai că personajul ajunge să funcționeze mai degrabă ca un instrument narativ, menit să sublinieze costurile personale ale meseriei de jurnalist, decât ca o individualitate complexă. Același lucru se întâmplă, într-o anumită măsură, cu cei doi copii, a căror prezență amintește permanent de ceea ce Anna riscă să piardă, fără ca filmul să le ofere o identitate dramatică suficient de bine conturată.

Mai convingător este Ciarán Hinds în rolul lui Dmitri, redactorul-șef al publicației Novaia Gazeta, ziar independent susținut inițial inclusiv prin contribuția lui Mihail Gorbaciov. Dmitri reprezintă o altă formă de curaj, poate mai puțin spectaculoasă, dar la fel de vulnerabilă: aceea a omului care trebuie să apere libertatea presei într-un sistem în care fiecare adevăr publicat poate declanșa represalii. Relația sa cu Anna surprinde o dilemă fundamentală: până unde poate merge o instituție de presă în confruntarea cu puterea, atunci când însăși supraviețuirea ei este amenințată? Când compromisul devine o strategie de supraviețuire și când începe să semene cu o capitulare?

James Strong nu reușește întotdeauna să transforme aceste tensiuni într-o construcție cinematografică organică. Filmul alternează secvențele de investigație cu momentele de presiune familială și amenințare politică, dar uneori pare mai degrabă o succesiune de episoade ilustrative decât o dramă care își construiește progresiv propria intensitate. Există suficient material pentru un thriller politic de mare tensiune, însă regia preferă, în multe momente, siguranța unei reconstituiri convenționale.

Și totuși, Words of War are un merit pe care nu-l putem minimaliza: readuce în discuție o realitate pe care trecerea timpului riscă s-o transforme într-o simplă lecție de istorie. Putin a înțeles foarte devreme că frica poate deveni instrument de guvernare, că adevărul poate fi izolat, discreditat sau eliminat, iar violența poate fi prezentată drept necesitate politică. Cecenia a fost unul dintre laboratoarele acestei metode. Anna Politkovskaia a încercat să documenteze ceea ce puterea voia să ascundă și să redea victimelor o voce pe care propaganda le-o confiscase. În 2006, a fost asasinată în scara blocului în care locuia, chiar de ziua de naștere a lui Vladimir Putin. Un detaliu macabru, aproape prea simbolic pentru a fi inventat de un scenarist.

Moartea ei nu a închis însă povestea. Dimpotrivă, a transformat-o într-un simbol al fragilității libertății de exprimare și al prețului pe care îl poate plăti cineva pentru refuzul de a participa la minciună. Iar actualitatea acestui subiect depășește cu mult granițele Rusiei. Autoritarismul nu apare întotdeauna cu uniforme, tancuri și declarații solemne. Uneori se instalează gradual, prin erodarea instituțiilor, intimidarea presei, relativizarea adevărului și transformarea adversarului în dușman. Tocmai de aceea, povestea Annei Politkovskaia nu aparține exclusiv trecutului rusesc.

Paradoxal, cea mai puternică secvență din Words of War vine odată cu genericul final. Omagiul dedicat jurnaliștilor și tuturor celor care și-au pierdut viața confruntând regimuri represive are o forță emoțională pe care filmul nu reușește s-o atingă în mod constant. Dintr-odată, numele, destinele și absențele capătă o greutate pe care dialogurile explicative nu au putut-o construi. Nu mai este nevoie să ni se spună ce înseamnă curajul. Îl înțelegem din simpla enumerare a celor care nu au mai avut posibilitatea să se întoarcă acasă.

Anna Politkovskaia merita un film mai bun. Nu pentru că Words of War ar fi lipsit de respect față de memoria ei, ci tocmai pentru că subiectul reclama mai multă rigoare, mai multă subtilitate și, paradoxal, mai multă încredere în inteligența spectatorului. Curajul protagonistei este incontestabil, interpretarea lui Maxine Peake îi păstrează demnitatea, iar mesajul politic rămâne necesar. Dar cinemaul nu se poate mulțumi să ilustreze o biografie exemplară și să creadă că importanța personajului va suplini automat limitele filmului.

Rămâne, totuși, o întrebare incomodă, poate cea mai importantă pe care o lasă în urmă această poveste: câți dintre noi ar fi dispuși să riște totul pentru a spune adevărul atunci când adevărul devine periculos? Anna Politkovskaia a avut răspunsul ei. Words of War încearcă să ni-l amintească. Din păcate, nu întotdeauna cu forța pe care o merită.


Am puține cuvinte de spus despre filmul văzut aseară la Cinema Elvire Popescu! Poate pentru că mă pregăteam să văd Words of War, filmul biografic din 2025 care spune povestea reală a jurnalistei ruse de investigație, Anna Politkovskaia și cred că e mai bine că s-a nimerit să le văd în ordinea asta: mai întâi Zviaghințev și apoi James Strong.De ce? Pentru că primul e mai codat, iar al doilea e o lecție de istorie sumbră.

Citește mai mult: Minotaur… sau rutina sfârșitului lumii

Revenind la Minotaur, pentru că despre el este vorba, nu vorbim despre un original: inspirația lui Zviaghințev vine de la La Femme infidèle, filmul lui Claude Chabrol din 1969. Și putea să îi rămână așa numele, dar regizorul, care trăiește în exil în Franța din 2022, și-a zis: mai bine îi schimb numele în Minotaur, cel care aștepta în fiecare an şapte fete şi şapte băieţi pe care să-i mănânce, îmi iese și treaba din film cu 14 candidați pe care să-i trec pe lista încorporării și,culmea, firul narațiunii (nu al Ariadnei) este derulat în film cu cât mai puține ocolișuri. Începutul, cu un ostrov, mi-a dat o stare de reîntâlnire cu Tarkovski, dar nu este pentru prima oară când am acest deja-vu. Apoi suntem pregătiți (de parcă mai era nevoie) să vedem cât de coruptă e societatea rusă, de ședințele cu fotografia ”tătucului” în care sunt stabilite normele de predare a viitorilor combatanți în operațiunea specială, de primele ghionturi în inimă când soțul bănuiește că soția este prinsă în mrejele unui tânăr fotograf și de soluția (finală) de eliminare a obiectului pasiunii.

„Minotaur” lasă, la final, un sentiment de insatisfacție. Nu atât pentru ceea ce spune, cât pentru faptul că multe dintre lucrurile pe care le pune în discuție despre Rusia sunt deja cunoscute. Nici pendularea lui Andrei Zviaghințev între thriller și dramă nu pare să se așeze într-o formulă pe deplin convingătoare, filmul lăsând impresia că nu își duce până la capăt nici una dintre cele două direcții.

Despre bani, putere și cinism, „Minotaur” vorbește cu o indignare ținută sub control, în timp ce povestea se desfășoară într-un registru rece, aproape impasibil. Iar actualitatea temelor sale, în special neliniștea provocată de amenințarea difuză care vine dinspre Est, îi conferă o rezonanță aparte. Greu de imaginat un moment mai potrivit pentru un asemenea film.

Și totuși, dincolo de această aparentă indecizie narativă, se ascunde o formă de îndrăzneală. Zviaghințev construiește o poveste despre un triunghi amoros burghez, plasând-o în umbra unui război care a acaparat întreaga realitate. Într-un asemenea context, conflictele sentimentale și dramele domestice ale unor oameni privilegiați par aproape derizorii, lipsite de importanță în raport cu amploarea catastrofei. Tocmai această contradicție, această ciocnire între intimitatea unor destine și dimensiunea unei tragedii colective, face din Minotaur un film destul de straniu și mai puțin captivant.

Ceea ce impresionează nu este neapărat orbirea în care trăiesc personajele și cercul lor de prieteni bogați, oameni atât de bine protejați de propria avere și de influența pe care o exercită, încât pot trata cu ironie până și acuzații grave precum cea de trădare, în timp ce își continuă conversațiile printre delicatese, glume obscene și opulența restaurantelor de lux. Mai tulburător este felul în care viața refuză să se oprească: dorințele, speranțele, minciunile, rănile și tentativele de împăcare își urmează cursul chiar și atunci când, în jur, totul pare înghițit de o catastrofă fără ieșire.

Despre cinema-ul lui Zviaghințev s-au spus, de-a lungul timpului, cam aceleași lucruri: este sumbru, crud, necruțător, lipsit de compasiune. Minotaur nu face excepție și nici nu încearcă să contrazică aceste calificative. Numai că adevărata miză a filmelor sale nu stă atât în cruzimea lumii pe care ele o descriu, cât în felul în care oamenii continuă să trăiască în interiorul ei. Să iubească, să mintă, să spere, să se împace, să-și caute fericirea, deși înțeleg, mai mult sau mai puțin lucid, că nu există o ieșire din coșmarul care îi înconjoară. Poate că aici se află paradoxul cel mai tulburător al filmului: în capacitatea vieții de a-și continua mecanic, încăpățânat, mersul chiar și atunci când istoria pare să nu mai lase loc pentru nimic altceva. Ultimul cadru mută perspectiva deasupra norilor, unde un avion începe coborârea, întâmpinat parcă de un peisaj indiferent la tot ceea ce se petrece dedesubt. Nu e o promisiune a salvării și nici un semn al unui nou început. Doar o continuare a drumului. Iar această normalitate care supraviețuiește catastrofei este, poate, imaginea cea mai apăsătoare pe care o lasă Minotaur.


Există filme care îți arată cum devin ororile războiului posibile si „NAZA”, documentarul semnat de Rachel Szor și Yuval Abraham, face parte din această categorie. Și este cu atât mai tulburător cu cât nu are nevoie de imagini explicite ale atrocităților pentru a provoca oroare.

(mai mult…)

De mult n-am mai văzut o comedie atât de savuroasă și de inteligent construită precum „Crima de la etajul III”. Un film care își extrage umorul nu doar din situațiile în care își plasează personajele, ci mai ales din finețea dialogurilor, din jocul permanent al aparențelor și dintr-o galerie de personaje pe cât de pitorești, pe atât de recognoscibile. Gilles Lellouche și Laetitia Casta le interpretează cu vervă, naturalețe și un remarcabil simț al comicului.

(mai mult…)

Există două feluri de oameni care vor ieși din sala de cinema după The Odyssey al lui Sir Christopher Nolan. Cei care vor dezbate dacă Lupita Nyong’o avea sau nu ce căuta în pielea Elenei din Troia, dacă Telemah avea voie să-i spună „dad” lui Odiseu și dacă Homer s-ar răsuci sau nu în mormânt. Și cei care au înțeles că toate aceste fleacuri sunt zgomot de fond.

Eu fac parte din a doua categorie.

Citește mai mult: Nu mergeți să vedeți Odiseea! Mergeți să o auziți!

Am lăsat filmul la dospit câteva zile, așa cum lași un vin să respire. Și am realizat că Nolan nu m-a trimis în Grecia antică. M-a trimis în copilărie. În serile în care citeam Odiseea și îmi imaginam marea fără să o fi văzut vreodată. Acolo unde ciclopii erau cât blocurile, sirenele cântau doar în capul meu, iar Ithaca era mai reală decât cartierul.

Doar că acum imaginația mea are un aliat pe care cartea nu l-a avut niciodată: sunetul.

Nu imaginea este marea revelație a acestui film. Imaginea este, cum era de așteptat, impecabilă. Nolan știe să filmeze monumental aproape din reflex. Dar adevărata aventură se petrece în boxele sălii IMAX.

Și aici începe meritul uriaș al lui Ludwig Göransson.

După Tenet și Oppenheimer, suedezul primește cea mai dificilă misiune din cariera lui. Iar Nolan îi pune o condiție care pare absurdă pentru un blockbuster de sute de milioane: fără orchestră simfonică.

De ce?

Pentru că orchestra, în forma în care o știm astăzi, pur și simplu nu exista în Grecia antică.

Orice alt compozitor ar fi încercat să mimeze trecutul. Göransson îl reconstruiește.

Lira, aulosul, gonguri din bronz, instrumente de percuție uitate prin muzee și săli de cercetare sunt puse să vorbească într-o limbă pe care nu o înțelegem, dar pe care o simțim instinctiv. Peste toate acestea, compozitorul strecoară discret sintetizatoare moderne, fără să fractureze iluzia. Nu sună nici arheologic, nici futurist. Sună… atemporal.

Este una dintre puținele coloane sonore recente care nu încearcă să-ți spună ce trebuie să simți și nu împinge emoția cu coatele. Nu îți urlă în urechi că acum trebuie să plângi sau că acum trebuie să tresari. Ea respiră odată cu filmul și tocmai de aceea devine aproape invizibilă.

În asta constă stă măreția ei.

Hans Zimmer construia catedrale sonore. Îl recunoșteai după primele două măsuri. Un acord și știai că intri în universul lui.Göransson procedează exact invers:își șterge urmele.

În Black Panther a mers până în Senegal pentru a înregistra muzicieni africani autentici. În The Mandalorian a făcut dintr-un fluier suedez una dintre cele mai recognoscibile teme TV ale ultimului deceniu. În Oppenheimer a transformat vioara într-un mecanism al anxietății. Iar acum, în The Odyssey, renunță aproape complet la confortul orchestrei și reconstruiește sonor o civilizație dispărută de aproape trei mii de ani.

Puțini compozitori au curajul să renunțe la tot ceea ce știu că funcționează.Göransson îl are!

Iar Nolan știe foarte bine de ce îl ține aproape. Colaborarea lor începe să capete aceeași greutate pe care a avut-o, timp de aproape două decenii, tandemul Nolan–Hans Zimmer. Nu seamănă deloc, iar asta este cea mai mare calitate a ei.

Am citit deja zeci de opinii despre film. Despre ritm. Despre distribuție. Despre fidelitatea față de Homer.

Sincer?

Nu mă interesează.

Nici când citeam Odiseea nu-mi puneam întrebări despre culoarea pielii Elenei sau despre expresiile folosite de Telemah. Eram ocupat să călătoresc.

La fel am făcut și acum.Așa că nu vă spun să mergeți să vedeți The Odyssey.Vă spun să mergeți să-l auziți.

Pentru că, dincolo de imaginile uriașe filmate de Sir Christopher Nolan, adevărata epopee se petrece în urechi. Iar dacă ieșiți din sală cu senzația că ați fost, pentru aproape trei ore, martorii unei lumi dispărute, meritul îi aparține în egală măsură lui Ludwig Göransson.

Restul sunt discuții pentru internet.


„Umbra tatălui meu”, premiat anul trecut la Cannes și co-scris, respectiv regizat de Akinola Davis Jr., spune povestea unei familii nigeriene într-un moment de răscruce al istoriei recente. Acțiunea se desfășoară în anul în care alegerile păreau să aducă sfârșitul unei lungi perioade de dominație politică și să deschidă drumul către o viață mai dreaptă pentru un popor apăsat de nedreptăți și inegalități.

(mai mult…)

În imaginarul colectiv al fanilor Star Wars, galaxia foarte, foarte îndepărtată a devenit de mult un fel de muzeu interactiv: intri, faci două poze cu nostalgia, recunoști un sunet de sabie laser și ieși convins că ai retrăit copilăria. Cu The Mandalorian and Grogu, Jon Favreau are inteligența — și modestia — de a nu încerca să reinventeze mitologia. El știe că publicul nu mai cere o nouă religie pop, ci un film care să funcționeze: să aibă ritm, farmec, explozii și două personaje pe care să le iubești înainte ca genericul final să se stingă.

(mai mult…)

Evident, orizontul așteptărilor nu putea fi decât vast — aproape indecent de larg — pentru o continuare care vine în siajul unui fenomen. The Devil Wears Prada nu a fost doar un succes de box office, ci un moment de cotitură: filmul care a legitimat, pentru prima dată în noul secol, reprezentarea lumii modei cu o acuratețe ce a stârnit rumoare, admirație și, pe alocuri, disconfort. Adaptat după romanul semnat de Lauren Weisberger — bestsellerul care a dominat începutul anilor 2000 și a propulsat-o pe autoare în liga mare a literaturii „chick lit” — primul film a venit deja încărcat de un capital simbolic considerabil.

(mai mult…)

Acum câteva luni în urmă mă uitam la artiștii care l-au influențat pe Michael în mișcările lui: Fred Astaire, James Brown, Charlie Chaplin, Bill Bailey, John W. Bubbles sau Bob Fosse. Auzisem tot atunci că urmează să apara filmul Michael regizat de Fuqua: wow, omul de acțiune, regizor de Equalizere, de Training Day, producător de Mayor of Kingstown. Și mi-am zis atunci în barbă: mamă, ce-o să iasă!- amintindu-mi că există două tipuri de biografii muzicale: cele care încearcă să spună adevărul și cele care încearcă să nu supere pe nimeni. Filmul lui Antoine Fuqua e, cu o consecvență aproape admirabilă, din a doua categorie – un produs bine lustruit, ca o vitrină în care exponatul principal, Michael Jackson, nu trebuie atins, ci doar venerat.

(mai mult…)

Văzut de Michaela:

Cea mai nouă creație a lui Paolo Sorrentino – La Grazia – vine nu doar să reconfirme, ci să întărească un adevăr pe care cinefilii îl intuiseră deja de mult: ne aflăm în fața unui cineast excepțional, unul dintre acei rari autori cu care filmul european nu doar că se mândrește, ci prin care își redefinește constant identitatea. După succesul răsunător și Oscarul obținut cu La Grande Bellezza, Sorrentino revine cu un nou demers cinematografic care își asumă riscuri, propune sensuri și își permite luxul de a fi, în același timp, dramă, meditație și poezie vizuală. Este un film în care talentul său de „magician al ecranului” nu doar că se manifestă, ci pare să se expandeze, să se rafineze și să capete noi dimensiuni.

Construcția filmului este atât de riguros articulată, atât de atent dozată, încât chiar și momentele care, în mod obișnuit, ar putea părea excesiv de discursive – precum acel așa-zis „interviu” pentru Vogue, care se transformă de fapt într-un solilocviu tulburător – capătă o forță magnetică. Nu există timpi morți, nu există risipă: fiecare cadru, fiecare replică, fiecare tăcere își găsește locul într-un ansamblu perfect coagulat, cu personaje excelent interpretate de o distributie atent selectata.

În esență, filmul vorbește despre iubire și despre multiplele ei ipostaze, despre felul în care acest sentiment, aparent intim și personal, devine o forță care structurează decizii, destine și chiar sisteme. Și chiar dacă, la suprafață, discursul pare să abordeze teme precum legea, eutanasia, crimele conjugale sau relațiile – fie ele familiale ori profesionale – toate aceste direcții converg, subtil dar inevitabil, către aceeași axă centrală: iubirea. Această temă majoră este susținută de un artificiu de scenariu remarcabil: modul în care personajul principal – Președintele Republicii, un jurist respectat și o conștiință publică solidă – își negociază propria relație cu acest sentiment care, în fond, leagă totul, atât în film, cât și în viață.

Dialogul este o demonstrație de virtuozitate: oscilează elegant între reflecția aproape filosofică și replica savuroasă, uneori chiar hilară, fără a pierde vreodată din coerență sau autenticitate. Personajele strălucesc, sunt vii, nuanțate, iar scenariul, magistral calibrat, reușește să păstreze permanent senzația de prospețime. Se simte, pe alocuri, un discret touch suprarealist, o ușoară alunecare dinspre concret spre simbolic, dublată de un suspans care amintește de structura unui policier, deși filmul nu se revendică explicit din acest gen. Iar finalul – neașteptat și profund – vine să ofere nu doar o rezoluție narativă, ci și o argumentație surprinzătoare, deloc predictibilă, care invită la reflecție.

Personajul principal, interpretat magistral de Toni Servillo, este surprins la capătul unor mandate strălucite ca Președinte al Republicii Italiene, într-un moment de cumpănă în care trebuie să navigheze o veritabilă furtună de decizii. Dilema sa este una fundamentală: va alege să se ghideze strict după litera legii sau va îndrăzni să asculte și de acea judecată mai profundă, mai subiectivă, dar poate și mai autentică – aceea a conștiinței și a inimii?

Și poate tocmai aici rezidă marea reușită a filmului La Grazia – această prezență discretă, dar persistentă, care îl urmărește îndeaproape pe „Il Presidente”: în capacitatea lui de a face ceea ce puține filme reușesc cu adevărat. Te ține ancorat până în ultimul moment, te provoacă, te neliniștește și, mai ales, îți oferă o multitudine de teme de gândire care persistă mult după ce ecranul s-a întunecat.

Văzut de Marcel:

Există filme care vor să spună ceva. Și există filme care vor să fie ceva. La Grazia al lui Paolo Sorrentino aparține, fără dubiu, celei de-a doua categorii — cu toate riscurile, capcanele și, uneori, manierismele pe care le implică această ambiție.

Sorrentino nu mai e de mult interesat de poveste în sens clasic. Nu-l mai preocupă „ce se întâmplă”, ci „cum reverberează”. Iar aici, în această meditație despre putere, vină și îndoială, își construiește un protagonist care nu guvernează atât o țară, cât propriile fantome. Mariano De Santis (interpretat, previzibil impecabil, de Toni Servillo) este un președinte în agonie morală, prins între Constituție și conștiință, întrelegere și o memorie afectivă care refuză să se lase arhivată.

Filmul începe programatic, aproape ostentativ: survolul Frecce Tricolori (sau 313° Gruppo Addestramento Acrobatico pe limba lor, formatia oficiala de acrobatie a Fortelor Aeriene Italiene.), în timp ce articolul 87 din Constituție se insinuează în coloana sonoră, nu ca declarație de principiu, ci ca ironie fină. „Președintele Republicii este șeful statului și reprezintă unitatea națională” — o frază care, în universul lui Sorrentino, sună mai degrabă ca o glumă spusă prea serios.

Pentru că unitatea, aici, e imposibilă. Totul e fragmentat: deciziile politice, relațiile familiale, memoria. Grațierea devine un exercițiu de schizofrenie morală — două cazuri, două adevăruri, nicio soluție curată. Iar proiectul legii eutanasiei funcționează ca un contrapunct tematic evident, poate prea evident, dar eficient în a tensiona discursul.

Sorrentino are, ca de obicei, o fascinație pentru ritual: birouri, coridoare,acoperiș ca refugiu pentru a fuma vinovat o țigară,tăceri instituționale. Dar aici, surprinzător, renunță parțial la barocul vizual care l-a consacrat. La Grazia e mai auster, mai reținut — nu neapărat mai profund, dar sigur mai controlat. E un film care nu mai epatează constant, ci preferă să infiltreze.

Între o pasiune neașteptată pentru muzica rap, lunga și cruda agonie a lui Elvis, calul, conversații revelatoare cu colaboratori loiali și devotați, vizite neobișnuite la închisoare pentru a investiga personal adevărul și candidații la grațiere (unul el, celălalt fiica sa), el găsește în cele din urmă puterea de a-și relaxa măcar calmul, de a alege și de a pune, în absența răspunsurilor, măcar întrebările potrivite.

Șiapoi vine acel moment — telefonul cu redactorul de la Vogue. O scenă care, în alt film, ar fi părut ridicolă, dar aici devine pivotul emoțional. Sorrentino face ceea ce știe cel mai bine: suspendă ridicolul într-o zonă de grație. Președintele, dezbrăcat de funcție, rătăcind printre hainele soției moarte, vorbind despre culori — e, poate, singurul moment autentic dintr-un univers dominat de convenții.

Aici filmul respiră si devine viu.Pentru că, în rest, La Grazia rămâne un film despre oameni care gândesc prea mult și trăiesc prea puțin. Despre o lume în care decizia e mereu amânată de reflecție, iar reflecția e contaminată de orgoliu. Sorrentino nu judecă, dar nici nu iartă. Observă cu o luciditate rece și, uneori, cu o ușoară superioritate stilistică. Finalul — acel gest neașteptat al lui De Santis — nu e cathartic. Nu rezolvă nimic. Dar nici nu trebuie. Pentru că Sorrentino nu e interesat de soluții, ci de fisuri.