Archive for the ‘Film’ Category


Există destine care par să fi fost scrise pentru cinema. Nu neapărat pentru că ar avea toate ingredientele unei povești spectaculoase, ci pentru că în ele se concentrează contradicțiile unei epoci, confruntarea dintre individ și putere, dintre conștiință și instinctul de conservare. Viața Annei Politkovskaia este un asemenea destin. Jurnalistă rusă, critic necruțător al regimului Putin și una dintre cele mai incomode voci ale presei independente, Politkovskaia a înțeles că adevărul nu este întotdeauna o marfă vandabilă și, mai ales, că rostirea lui poate avea un preț mortal. Filmul Words of War, regizat de James Strong, încearcă să recupereze această biografie a curajului. Numai că între importanța subiectului și reușita cinematografică există, uneori, o distanță pe care bunele intenții nu o pot acoperi.

Citește mai mult: Words of War: Când adevărul devine o crimă

Povestea începe într-un climat politic în care Rusia post-sovietică își caută o nouă identitate, iar Vladimir Putin își construiește metodic autoritatea, folosind conflictul din Cecenia drept teren de consolidare a puterii. În spatele discursului oficial despre securitate și stabilitate se desfășoară o realitate mult mai puțin prezentabilă: bombardamente, abuzuri, tortură, dispariții și o populație civilă prinsă între brutalitatea armatei și teroarea grupărilor înarmate. În acest peisaj, Anna Politkovskaia refuză să accepte versiunea convenabilă a evenimentelor. Merge acolo unde ceilalți preferă să nu privească, vorbește cu victimele, documentează abuzurile și scrie. Scrie împotriva unei mașinării politice care începe să considere jurnalismul independent nu doar incomod, ci periculos.

Maxine Peake îi oferă Annei o interpretare construită pe sobrietate, determinare și o anumită fragilitate interioară, fără să cadă în tentația eroizării ostentative. Personajul nu este prezentat ca o figură infailibilă, coborâtă parcă dintr-un manual de martirologie democratică, ci ca o femeie care își asumă riscuri, care înțelege pericolul și care continuă, uneori aproape încăpățânat, să-și facă meseria. Există în interpretarea actriței o tensiune autentică între responsabilitatea profesională și instinctul de supraviețuire. Este, de altfel, una dintre puținele dimensiuni ale filmului care reușesc să depășească limitele unui scenariu prea preocupat să explice ceea ce spectatorul ar trebui să descopere singur.

Aici se află, de fapt, principala problemă a lui Words of War. Filmul are o poveste extraordinar de puternică, dar nu găsește întotdeauna mijloacele cinematografice pe măsura ei. Dialogurile explicative sunt prea numeroase și, adesea, apar în momente în care imaginea, tăcerea sau reacția unui personaj ar fi putut transmite mult mai mult. Avem parte de informații livrate aproape didactic, ca și cum realizatorii s-ar teme că publicul nu va înțelege gravitatea situațiilor fără să i se explice explicit ce trebuie să simtă și de ce. Or, într-un film despre manipularea adevărului, despre mistificarea realității și despre mecanismele propagandei, această nevoie de a pune totul în cuvinte devine o slăbiciune de construcție.

Nici personajele din jurul Annei nu beneficiază de suficientă autonomie dramatică. Jason Isaacs, în rolul soțului, Sasha, este distribuit într-o poziție ingrată: aceea a omului care încearcă să-și protejeze familia de consecințele unei lupte pe care nu o poate controla. Conflictul dintre preocuparea lui pentru siguranța celor apropiați și determinarea Annei de a continua investigațiile este legitim și necesar. Numai că personajul ajunge să funcționeze mai degrabă ca un instrument narativ, menit să sublinieze costurile personale ale meseriei de jurnalist, decât ca o individualitate complexă. Același lucru se întâmplă, într-o anumită măsură, cu cei doi copii, a căror prezență amintește permanent de ceea ce Anna riscă să piardă, fără ca filmul să le ofere o identitate dramatică suficient de bine conturată.

Mai convingător este Ciarán Hinds în rolul lui Dmitri, redactorul-șef al publicației Novaia Gazeta, ziar independent susținut inițial inclusiv prin contribuția lui Mihail Gorbaciov. Dmitri reprezintă o altă formă de curaj, poate mai puțin spectaculoasă, dar la fel de vulnerabilă: aceea a omului care trebuie să apere libertatea presei într-un sistem în care fiecare adevăr publicat poate declanșa represalii. Relația sa cu Anna surprinde o dilemă fundamentală: până unde poate merge o instituție de presă în confruntarea cu puterea, atunci când însăși supraviețuirea ei este amenințată? Când compromisul devine o strategie de supraviețuire și când începe să semene cu o capitulare?

James Strong nu reușește întotdeauna să transforme aceste tensiuni într-o construcție cinematografică organică. Filmul alternează secvențele de investigație cu momentele de presiune familială și amenințare politică, dar uneori pare mai degrabă o succesiune de episoade ilustrative decât o dramă care își construiește progresiv propria intensitate. Există suficient material pentru un thriller politic de mare tensiune, însă regia preferă, în multe momente, siguranța unei reconstituiri convenționale.

Și totuși, Words of War are un merit pe care nu-l putem minimaliza: readuce în discuție o realitate pe care trecerea timpului riscă s-o transforme într-o simplă lecție de istorie. Putin a înțeles foarte devreme că frica poate deveni instrument de guvernare, că adevărul poate fi izolat, discreditat sau eliminat, iar violența poate fi prezentată drept necesitate politică. Cecenia a fost unul dintre laboratoarele acestei metode. Anna Politkovskaia a încercat să documenteze ceea ce puterea voia să ascundă și să redea victimelor o voce pe care propaganda le-o confiscase. În 2006, a fost asasinată în scara blocului în care locuia, chiar de ziua de naștere a lui Vladimir Putin. Un detaliu macabru, aproape prea simbolic pentru a fi inventat de un scenarist.

Moartea ei nu a închis însă povestea. Dimpotrivă, a transformat-o într-un simbol al fragilității libertății de exprimare și al prețului pe care îl poate plăti cineva pentru refuzul de a participa la minciună. Iar actualitatea acestui subiect depășește cu mult granițele Rusiei. Autoritarismul nu apare întotdeauna cu uniforme, tancuri și declarații solemne. Uneori se instalează gradual, prin erodarea instituțiilor, intimidarea presei, relativizarea adevărului și transformarea adversarului în dușman. Tocmai de aceea, povestea Annei Politkovskaia nu aparține exclusiv trecutului rusesc.

Paradoxal, cea mai puternică secvență din Words of War vine odată cu genericul final. Omagiul dedicat jurnaliștilor și tuturor celor care și-au pierdut viața confruntând regimuri represive are o forță emoțională pe care filmul nu reușește s-o atingă în mod constant. Dintr-odată, numele, destinele și absențele capătă o greutate pe care dialogurile explicative nu au putut-o construi. Nu mai este nevoie să ni se spună ce înseamnă curajul. Îl înțelegem din simpla enumerare a celor care nu au mai avut posibilitatea să se întoarcă acasă.

Anna Politkovskaia merita un film mai bun. Nu pentru că Words of War ar fi lipsit de respect față de memoria ei, ci tocmai pentru că subiectul reclama mai multă rigoare, mai multă subtilitate și, paradoxal, mai multă încredere în inteligența spectatorului. Curajul protagonistei este incontestabil, interpretarea lui Maxine Peake îi păstrează demnitatea, iar mesajul politic rămâne necesar. Dar cinemaul nu se poate mulțumi să ilustreze o biografie exemplară și să creadă că importanța personajului va suplini automat limitele filmului.

Rămâne, totuși, o întrebare incomodă, poate cea mai importantă pe care o lasă în urmă această poveste: câți dintre noi ar fi dispuși să riște totul pentru a spune adevărul atunci când adevărul devine periculos? Anna Politkovskaia a avut răspunsul ei. Words of War încearcă să ni-l amintească. Din păcate, nu întotdeauna cu forța pe care o merită.


Am puține cuvinte de spus despre filmul văzut aseară la Cinema Elvire Popescu! Poate pentru că mă pregăteam să văd Words of War, filmul biografic din 2025 care spune povestea reală a jurnalistei ruse de investigație, Anna Politkovskaia și cred că e mai bine că s-a nimerit să le văd în ordinea asta: mai întâi Zviaghințev și apoi James Strong.De ce? Pentru că primul e mai codat, iar al doilea e o lecție de istorie sumbră.

Citește mai mult: Minotaur… sau rutina sfârșitului lumii

Revenind la Minotaur, pentru că despre el este vorba, nu vorbim despre un original: inspirația lui Zviaghințev vine de la La Femme infidèle, filmul lui Claude Chabrol din 1969. Și putea să îi rămână așa numele, dar regizorul, care trăiește în exil în Franța din 2022, și-a zis: mai bine îi schimb numele în Minotaur, cel care aștepta în fiecare an şapte fete şi şapte băieţi pe care să-i mănânce, îmi iese și treaba din film cu 14 candidați pe care să-i trec pe lista încorporării și,culmea, firul narațiunii (nu al Ariadnei) este derulat în film cu cât mai puține ocolișuri. Începutul, cu un ostrov, mi-a dat o stare de reîntâlnire cu Tarkovski, dar nu este pentru prima oară când am acest deja-vu. Apoi suntem pregătiți (de parcă mai era nevoie) să vedem cât de coruptă e societatea rusă, de ședințele cu fotografia ”tătucului” în care sunt stabilite normele de predare a viitorilor combatanți în operațiunea specială, de primele ghionturi în inimă când soțul bănuiește că soția este prinsă în mrejele unui tânăr fotograf și de soluția (finală) de eliminare a obiectului pasiunii.

„Minotaur” lasă, la final, un sentiment de insatisfacție. Nu atât pentru ceea ce spune, cât pentru faptul că multe dintre lucrurile pe care le pune în discuție despre Rusia sunt deja cunoscute. Nici pendularea lui Andrei Zviaghințev între thriller și dramă nu pare să se așeze într-o formulă pe deplin convingătoare, filmul lăsând impresia că nu își duce până la capăt nici una dintre cele două direcții.

Despre bani, putere și cinism, „Minotaur” vorbește cu o indignare ținută sub control, în timp ce povestea se desfășoară într-un registru rece, aproape impasibil. Iar actualitatea temelor sale, în special neliniștea provocată de amenințarea difuză care vine dinspre Est, îi conferă o rezonanță aparte. Greu de imaginat un moment mai potrivit pentru un asemenea film.

Și totuși, dincolo de această aparentă indecizie narativă, se ascunde o formă de îndrăzneală. Zviaghințev construiește o poveste despre un triunghi amoros burghez, plasând-o în umbra unui război care a acaparat întreaga realitate. Într-un asemenea context, conflictele sentimentale și dramele domestice ale unor oameni privilegiați par aproape derizorii, lipsite de importanță în raport cu amploarea catastrofei. Tocmai această contradicție, această ciocnire între intimitatea unor destine și dimensiunea unei tragedii colective, face din Minotaur un film destul de straniu și mai puțin captivant.

Ceea ce impresionează nu este neapărat orbirea în care trăiesc personajele și cercul lor de prieteni bogați, oameni atât de bine protejați de propria avere și de influența pe care o exercită, încât pot trata cu ironie până și acuzații grave precum cea de trădare, în timp ce își continuă conversațiile printre delicatese, glume obscene și opulența restaurantelor de lux. Mai tulburător este felul în care viața refuză să se oprească: dorințele, speranțele, minciunile, rănile și tentativele de împăcare își urmează cursul chiar și atunci când, în jur, totul pare înghițit de o catastrofă fără ieșire.

Despre cinema-ul lui Zviaghințev s-au spus, de-a lungul timpului, cam aceleași lucruri: este sumbru, crud, necruțător, lipsit de compasiune. Minotaur nu face excepție și nici nu încearcă să contrazică aceste calificative. Numai că adevărata miză a filmelor sale nu stă atât în cruzimea lumii pe care ele o descriu, cât în felul în care oamenii continuă să trăiască în interiorul ei. Să iubească, să mintă, să spere, să se împace, să-și caute fericirea, deși înțeleg, mai mult sau mai puțin lucid, că nu există o ieșire din coșmarul care îi înconjoară. Poate că aici se află paradoxul cel mai tulburător al filmului: în capacitatea vieții de a-și continua mecanic, încăpățânat, mersul chiar și atunci când istoria pare să nu mai lase loc pentru nimic altceva. Ultimul cadru mută perspectiva deasupra norilor, unde un avion începe coborârea, întâmpinat parcă de un peisaj indiferent la tot ceea ce se petrece dedesubt. Nu e o promisiune a salvării și nici un semn al unui nou început. Doar o continuare a drumului. Iar această normalitate care supraviețuiește catastrofei este, poate, imaginea cea mai apăsătoare pe care o lasă Minotaur.


Ce au în comun o familie înstărită din New York, un cartier din Rio de Janeiro și o grădină zoologică din Danemarca? Toate au povești de spus în noiembrie, pe HBO Max. „Epoca de Aur” („The Gilded Age”) revine cu sezonul patru, iar lupta pentru putere continuă în „Orașul zeilor: Lupta continuă” („City of God: The Fight Rages On”). Jim Jarmusch vine cu antologia „Tată, mamă, soră, frate” („Father, Mother, Sister, Brother”), iar „Grădina zoologică condamnată” („The Cursed Zoo”) spune povestea reală a unui parc în care tigrii, motocicliștii și iubirea au dus la tragedie.

(mai mult…)

Trei vesti bune de la unteatru- la început de noiembrie

Posted: 02/11/2026 by michaelaplaton in Film

Cea mai frumoasă poveste despre candoare. Așa am putea descrie Nopți albe, spectacolul făcut după nuvela lui Dostoievski de Andreea Vulpe (Premiul UNITER pentru teatru TV, pentru spectacolul Vandalul).

Doi tineri singuri, obosiți să privească viața de pe margine, se întâlnesc de-a lungul a patru nopți. Fiecare caută în celălalt o ancoră în realitate și, poate, șansa de a fi în sfârșit prezent și viu.

(mai mult…)

„Epoca de Aur” („The Gilded Age”), serialul original HBO creat de Julian Fellowes și nominalizat la Emmy®, vine pe HBO Max pe 2 noiembrie cu un nou sezon. Cele opt episoade ale sezonului patru vor fi lansate săptămânal.

(mai mult…)

„Vivant-Denon travaillant dans la salle de Diane au Louvre” (Dominique Vivant Denon lucrând în Sala Dianei de la Luvru) – portret alegoric realizat în jurul anului 1811 de artistul francez Benjamin Zix

6 episoade, în fiecare seară, începând cu 2 noiembrie, orele 23:00

În secolul al XIX-lea, Egiptul a devenit un fel de vest sălbatic arheologic. Franța, Marea Britanie și Prusia s-au întrecut în goana după comorile faraonilor, iar oamenii pe care i-au trimis erau soldați, diplomați, artiști, un circar plin de forță și un tânăr lingvist strălucit.

(mai mult…)

Pedro Almodóvar revine în cinematografe din 30 octombrie cu „Amarga Navidad” („Crăciun amar”), unul dintre cele mai personale filme ale carierei sale. La 76 de ani, regizorul spaniol își transformă propriile experiențe în ficțiune și explorează o întrebare incomodă: cât de departe poate merge un artist atunci când se inspiră din viața celor apropiați? Cel de-al 24-lea lungmetraj al său, cu Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón și Victoria Luengo în rolurile principale, este distribuit în România de Independența Film.

(mai mult…)

Există filme care îți arată cum devin ororile războiului posibile si „NAZA”, documentarul semnat de Rachel Szor și Yuval Abraham, face parte din această categorie. Și este cu atât mai tulburător cu cât nu are nevoie de imagini explicite ale atrocităților pentru a provoca oroare.

(mai mult…)

„Ostatic american” („American Hostage”), noul serial thriller psihologic cu Jon Hamm, câștigător al premiului Emmy, în rolul principal, va avea premiera pe 21 septembrie, pe HBO Max în România. Serialul are opt episoade și este inspirat de o poveste reală petrecută în anii ’70.

(mai mult…)

Să adaptezi un joc video pentru marele ecran nu e tocmai floare la ureche. Mai ales când protagonistul nu este vreun comando uns cu toate alifiile, capabil să decimeze o hoardă de zombi cu o mitralieră într-o mână și cu o grenadă între dinți. Dimpotrivă.

Citește mai mult: Resident Evil: S-a dus dracului coletul!

Personajul Bryan este un băiat cât se poate de normal, un curier medical, care are o geantă de dus din punctul A în punctul B și, în principiu, cam asta ar trebui să fie întreaga lui problemă. Numai că punctul B se află în universul Resident Evil, unde lucrurile au prostul obicei de a lua o turnură catastrofală exact când crezi că ai o zi banală la serviciu.

Bryan nu știe să încarce o armă. Nu știe să lupte. Se sperie, țipă, înjură, se enervează și, în general, reacționează la monștri cam cum ar reacționa orice om normal pus în situația de a vedea unul venind spre el. Adică foarte puțin eroic și foarte mult omenește.Și tocmai aici începe distracția.

Noul Resident Evil, scris, regizat și produs de Zach Cregger, are o calitate din ce în ce mai rară într-un blockbuster horror: pare că realizatorii s-au distrat făcându-l. Și nu doar că s-au distrat, ci au lăsat distracția să contamineze pelicula — în sensul bun al cuvântului, ceea ce, în universul Resident Evil, este o formulare cu potențial letal.

Filmul este adesea foarte amuzant, dar niciodată în detrimentul groazei. Dimpotrivă: umorul face ca momentele horror să lovească și mai tare. Regizorul Zach Cregger înțelege un principiu simplu pe care multe filme contemporane par să-l fi uitat: dacă personajul nu este invulnerabil, pericolul devine interesant.

Iar Bryan este exact opusul supereroului.Când ceilalți ar scoate pistolul, el probabil ar căuta instrucțiunile. Când protagonistul tradițional ar spune „Stați în spatele meu!”, Bryan ar avea toate șansele să întrebe dacă nu există, totuși, o ieșire secundară. Și când ceva monstruos îi sare în față, nu adoptă o poziție de luptă spectaculoasă, ci reacția firească a omului care tocmai a constatat că realitatea a luat-o razna.

Actorul Austin Abrams exploatează excelent această vulnerabilitate. O mare parte din film îl obligă să privească lucruri absolut halucinante, iar reacțiile lui devin aproape un comentariu paralel la ceea ce vedem pe ecran. Este spectatorul nostru din interiorul filmului: omul care se uită la coșmar și, asemenea nouă, se întreabă probabil cine naiba a considerat că ar fi o idee bună să continue.

În adaptările Resident Evil de până acum, accentul cădea frecvent pe personaje competente, cool, pregătite să anihileze orice creatură care le iese în cale. Cregger schimbă radical perspectiva. În loc să ne ofere satisfacția de a vedea un profesionist făcându-și meseria, ne pune alături de un amator care încearcă pur și simplu să supraviețuiască.

Și, paradoxal, tocmai de aici rezultă adrenalina.Pentru că atunci când eroul nu știe ce face, nici spectatorul nu mai poate presupune că știe. Fiecare ușă poate ascunde ceva. Fiecare zgomot poate anunța o nenorocire. Iar fiecare armă care apare pe ecran vine cu întrebarea esențială: oare omul ăsta știe s-o folosească?

Cregger își construiește filmul mai degrabă ca pe un montagne russe decât ca pe o narațiune horror convențională. Povestea este suficient de simplă pentru a-i permite să se joace. Virusul se răspândește, haosul crește, iar Bryan înaintează printr-o lume care pare să se dezintegreze cu fiecare minut.Nu intriga sofisticată este principala atracție, ci ceea ce face regizorul cu ea.

Cregger își asumă fără rezerve moștenirea horror-ului SF: The Thing, Alien, The Fly și, pe alocuri, chiar eficiența de acțiune a unui Die Hard. Nu este vorba despre simple trimiteri decorative, ci despre o înțelegere vizibilă a mecanismelor genului: tensiune, corporalitate, grotesc, claustrofobie, surpriză și, mai ales, plăcerea de a pune personajul în situații din ce în ce mai imposibile.

Rezultatul este o combinație destul de rară: filmul poate fi simultan stupid de amuzant și serios de înfricoșător.

Și aici este unul dintre marile merite ale lui Cregger: nu îi este rușine nici de una, nici de cealaltă.

Nu încearcă să transforme Resident Evil într-o dramă solemnă despre condiția umană, dar nici nu îl reduce la o paradă de zombi și membre smulse. Spectacolul rămâne spectacol, însă personajele au suficientă umanitate încât să ne pese ce li se întâmplă.

Mai mult, filmul emană o bucurie aproape contagioasă. Este senzația pe care o ai când vezi un cineast care a primit acces la o cutie uriașă cu jucării și, în loc să aleagă una singură, le varsă pe toate pe podea.

Este un film care pare permanent la un pas de a deraia — dar tocmai această impresie de libertate îi dă energie.

Cregger nu se comportă ca un regizor care trebuie să demonstreze că este serios. Se comportă ca unul care știe foarte bine ce-i place. Iar această siguranță se vede în felul în care combină horror-ul, acțiunea, grotescul și comedia fără să lase niciunul dintre ingrediente să înghită complet restul.

În fond, noul Resident Evil funcționează pentru că înțelege ceva fundamental despre jocurile video: nu trebuie neapărat să copiezi mecanic jocul ca să-i păstrezi spiritul.

Trebuie să păstrezi senzația de pericol, de explorare, de surpriză și de „ce dracu’ mai urmează acum?”.

Iar Cregger exact asta face.În loc să ne ofere un alt erou indestructibil care intră într-o încăpere și rezolvă problema, ne oferă un om obișnuit care intră într-un coșmar și încearcă să nu moară. Diferența pare mică. De fapt, este esențială.

Pentru că Resident Evil devine astfel nu doar o galerie de monștri, ci și o comedie involuntară a supraviețuirii: omul contra virusului, omul contra creaturilor, omul contra propriilor limite și, probabil cel mai important, omul contra ideii complet neinspirate de a mai continua să înainteze atunci când toate instinctele îi urlă să fugă.

Filmul își păstrează până la final apetitul pentru risc. Iar ultimele minute confirmă că Cregger nu este interesat să închidă totul frumos, cu fundiță și certificat de bună purtare. Preferă să lase publicul cu gura căscată.Și foarte bine face.

Resident Evil este, în cele din urmă, un spectacol horror care nu uită să se distreze. Un film zgomotos, grotesc, surprinzător, uneori absurd și, culmea, tocmai de aceea foarte viu.

Iar dacă aceasta este direcția în care franciza vrea să meargă, atunci poate că, după atâția ani de zombi, mutanți și experimente genetice, Resident Evil a descoperit în sfârșit arma secretă: un erou care seamănă mai mult cu spectatorul decât cu un soldat.